Interestellar: un viaje sonoro más allá del espacio

La banda sonora de la película Interstellar, compuesta por Hans Zimmer, es una obra maestra compleja que trasciende la función que tradicionalmente tiene la música cinematográfica, y se convierte en un elemento narrativo esencial de la película.

La película Interstellar (2014), dirigida por Christopher Nolan, se inscribe dentro del arquetipo del viaje del héroe, un modelo narrativo que describe la trayectoria de un protagonista desde su mundo ordinario hasta la superación de desafíos extraordinarios, pasando por una transformación personal. Este esquema, identificado por Joseph Campbell en El héroe de las mil caras, ha sido utilizado en numerosas obras como La Odisea, Star Wars y El Señor de los Anillos. En Interstellar, este patrón se presenta con una carga emocional que trasciende la aventura clásica. Cooper, el protagonista, enfrenta un dilema existencial: su deber como padre frente a su misión para salvar a la humanidad. Este conflicto es magistralmente expresado en la banda sonora de Hans Zimmer,

Zimmer construyó toda la banda sonora alrededor de un tema central, la relación entre Cooper y su hija Murph, utilizando una combinación de melodías sencillas y estructuras armónicas que enfatizan la ternura y el anhelo presentes en su vínculo. La música se convierte en una voz omnipresente que guía el viaje emocional del personaje, evocando la nostalgia, el sacrificio y el inexorable paso del tiempo.

Temas y leitmotiv en Interestellar

A diferencia de compositores como John Williams, que trabajan con leitmotivs claramente definidos, Zimmer construye su música a través de texturas y sonoridades más que de temas reconocibles. Sin embargo, en Interstellar, sí se pueden identificar ciertos motivos recurrentes, entre ellos:

• • • • • El tema de Cooper y Murph: basado en una nota pedal (MI), representa la conexión entre padre e hija. Este tema se caracteriza porque el motivo aparece tanto en modo mayor como en menor, reforzando la dualidad del personaje: el héroe y el padre.
        • El tema de Cooper: aparece en distintas formas a lo largo de la película, evolucionando junto con su arco narrativo. Se escucha en piezas como Stay, Detach y S.T.A.Y., reflejando la lucha interna del protagonista.
        • El motivo de la exploración o peligros del viaje y del tiempo: presente en pistas como Mountains, donde la percusión y la repetición de acordes generan una sensación de urgencia y la implacable presión del tiempo.

        Zimmer no trabaja con leitmotivs de manera ortodoxa, sino que los transforma en texturas expansivas que refuerzan la atmósfera de la película, logrando que la música sea una extensión del universo visual de Nolan.

         

El muro de sonido y el uso del órgano de tubos

Uno de los elementos más distintivos de la banda sonora de Interstellar es la técnica del «muro de sonido» (Wall of Sound), inspirada en el productor Phil Spector. Esta técnica se basa en la superposición de múltiples capas de instrumentos y efectos sonoros para crear una textura densa y envolvente. Zimmer utiliza este recurso para representar:

• • La inmensidad del espacio y la lucha por la supervivencia: en escenas clave, la música envuelve al espectador con una oleada de sonido que transmite la sensación de estar sumergido en el universo.
  • El equilibrio entre el caos y la calma: momentos de alta tensión se refuerzan con sonidos expansivos, seguidos de pausas de silencio absoluto que intensifican la sensación de vacío en el espacio.

Otro aspecto fundamental es el uso del órgano de tubos, un instrumento que tradicionalmente se ha asociado con lo sagrado y lo trascendental. Zimmer y Nolan lo eligieron por su capacidad para evocar una sensación de grandeza y misterio. En la película, el órgano simboliza:

• • La inmensidad del espacio y la lucha por la supervivencia: en escenas clave, la música envuelve al espectador con una oleada de sonido que transmite la sensación de estar sumergido en el universo. Un ejemplo notable de esta técnica se encuentra en la pista Mountains, donde el ritmo repetitivo del tic-tac y la acumulación de capas sonoras generan una sensación de urgencia y magnitud.

  • La conexión entre la tecnología y lo divino: en escenas como Detach, el órgano se convierte en el protagonista musical, generando una sensación de trascendencia que acompaña la evolución de Cooper y su viaje más allá del entendimiento humano. Este instrumento fue elegido por Zimmer y Nolan por su importancia histórica como una de las máquinas más complejas creadas por el hombre antes de la Revolución Industrial. Su uso en la película va más allá de lo estético, simbolizando el esfuerzo humano por alcanzar lo desconocido.En la narrativa de Interstellar, el órgano representa la relación entre la ciencia, la tecnología y la supervivencia de la humanidad.
  • A medida que la historia avanza, se hace evidente que el destino de la especie depende de su capacidad para comprender y trascender los límites de la física. El órgano, con su complejidad mecánica y resonancia majestuosa, encarna esta lucha entre lo comprensible y lo inabarcable. Al mismo tiempo, la película sugiere que la búsqueda del conocimiento científico es, en muchos aspectos, similar a un acto de fe: confiar en que la exploración, el aprendizaje y la innovación serán las claves para la salvación.Por esta razón, Nolan quería que el órgano simbolizara ‘los intentos del hombre de asir lo inasible’, reflejando así la conexión entre la fe en el conocimiento y el desafío de lo desconocido.

La banda sonora de Interstellar no solo complementa la historia visualmente, sino que intensifica la conexión emocional del espectador con los personajes. Temas como Stay y S.T.A.Y. encapsulan la angustia y la esperanza de Cooper y Murph, reflejando la distancia física y temporal que los separa. La repetición de ciertos motivos musicales a lo largo de la película refuerza la sensación de nostalgia, sacrificio y destino ineludible.

Recepción crítica

Desde su estreno, la banda sonora de Interstellar ha sido ampliamente elogiada por su capacidad para innovar en la música cinematográfica. Fue nominada al Oscar y ha servido de inspiración para muchos compositores modernos, marcando un punto de inflexión en la carrera de Hans Zimmer. Su enfoque en la creación de atmósferas a través de texturas sonoras ha influido en múltiples producciones cinematográficas y videojuegos posteriores.

La música de Interstellar no solo acompaña la narrativa , sino que la define. A través del uso de técnicas como el muro de sonido y el protagonismo del órgano de tubos, Hans Zimmer logra una experiencia sensorial única que trasciende la pantalla. Su impacto emocional y su relevancia dentro de la música de cine la consolidan como una de las bandas sonoras más memorables del siglo XXI.

¿Por qué Interestellar se relaciona estilísticamente con la música minimalista?

La música minimalista es un estilo musical de la segunda mitad del siglo XX caracterizado por la repetición de patrones rítmicos, melódicos y armónicos con ligeras variaciones a lo largo del tiempo. Su objetivo es crear una sensación de inmersión y evolución gradual sin cambios bruscos. Algunas de sus principales características son:

• Repetición de motivos con pequeñas modificaciones.
• Uso de estructuras simples y progresiones armónicas limitadas.
• Texturas sonoras que generan un efecto envolvente, de trance o contemplación.
• Énfasis en la claridad tímbrica y la simplicidad.
• Procesos graduales en la evolución de la música.

Este estilo surgió en el siglo XX con compositores como Steve Reich, Philip Glass y Terry Riley, y ha influido en bandas sonoras de cine (como la de Interstellar, de Hans Zimmer), música electrónica y otros géneros contemporáneos.

Los leitmotivs son motivos musicales recurrentes, es decir, pequeños fragmentos de melodías que asociamos a personajes, emociones o situaciones que, cuando suenan, ayudan a la narrativa a través de la música. Por otro lado, el concepto de textura en música se refiere a la trama sonora formada por la combinación de diferentes instrumentos o efectos en un determinado momento, con lo que se genera distintas atmósferas o sonoridades emocionales.

¿Diegética o no diegética?

Aunque la mayoría de la música compuesta por Hans Zimmer pertenece a la categoría no-diegética (porque es música añadida para la audiencia y no es escuchada por los personajes), hay algunos momentos de Interestellar en los que la música se acerca al concepto de diegética.

Ejemplos de música diegética en Interstellar:

1. Los sonidos en la nave espacial Endurance: En algunas escenas dentro de la nave, se perciben sonidos que podrían ser interpretados como parte del ambiente interno. Estos sonidos pueden confundirse con la banda sonora, pero en realidad forman parte del diseño de sonido de la película.

2. La música en el mensaje de Murph: En algunas escenas donde Cooper recibe mensajes de su hija a través de la pantalla, la música se fusiona con los sonidos del entorno, lo que puede dar la impresión de que es escuchada por los personajes.

3. El órgano en el interior del agujero negro: Si bien esto es más subjetivo, algunos momentos donde el órgano suena con gran intensidad podrían interpretarse como una representación de la percepción de Cooper en su viaje a través del espacio-tiempo.

En su mayoría, la banda sonora de Interstellar es no-diegética : En general, la música en Interstellar es usada para intensificar la experiencia emocional del espectador y no es parte del mundo de los personajes.

Glosario de términos

• Banda sonora (BSO): Conjunto de piezas musicales que acompañan una película, serie o videojuego, reforzando la narrativa y la atmósfera emocional.
• Leitmotiv: Motivo musical recurrente, sucesión lineal de sonidos o pequeños fragmentos melódicos asociados a un personaje, emoción o situación en la historia.
• Texturas sonoras: Combinación de sonidos y efectos musicales que conforman la atmósfera de una pieza, generando distintas emociones y sensaciones en la audiencia.
• Sonoridad: Cualidad del sonido en cuanto a su timbre, intensidad y efectos expresivos en una composición musical.
• Muro de sonido (Wall of Sound): Técnica de producción musical que superpone múltiples capas de instrumentos y efectos sonoros para crear una textura densa y envolvente.
• Órgano de tubos: Instrumento musical de viento con gran resonancia y complejidad técnica, utilizado en Interstellar para simbolizar lo trascendental y la grandeza del universo.
• Motivo musical: Unidad melódica o rítmica breve que se repite y desarrolla a lo largo de una composición, reforzando ideas o emociones en la trama.
• Armonía: Combinación de sonidos y acordes en una pieza musical, que aporta profundidad y emoción a la música de una banda sonora.
• Pedal (nota pedal): Nota prolongada en el tiempo sobre la que se construyen variaciones armónicas. En Interstellar, el tema de Cooper y Murph se basa en una nota pedal en MI.
• Atmósfera sonora: Ambiente auditivo creado por la combinación de música y efectos de sonido en una película, ayudando a sumergir al espectador en la narrativa.
• Dinamismo musical: Variaciones en la intensidad y expresión de una pieza, que influyen en la percepción emocional del espectador.
• Silencio expresivo: Recurso en el que la ausencia de música se utiliza estratégicamente para generar tensión o enfatizar una emoción específica.
• Orquestación: Distribución de las diferentes voces e instrumentos en una composición musical para lograr el efecto sonoro deseado.
• Timbre: Característica única de un sonido que permite distinguir diferentes instrumentos o voces en una composición musical.
• Cadencia musical: Sucesión de acordes que indican el final de una frase musical o sección dentro de una pieza.
• Ritmo: Organización temporal de los sonidos en una composición musical, esencial para transmitir urgencia, tensión o calma.
• Melodía: Sucesión de notas musicales organizadas de manera que resultan en una unidad reconocible dentro de la banda sonora.
• Polifonía: Técnica en la que varias líneas melódicas suenan simultáneamente, creando una mayor riqueza sonora.
• Reverberación: Efecto acústico que simula la persistencia de un sonido en un espacio, utilizado en Interstellar para amplificar la sensación de inmensidad.

Fuentes:

• Jaime Altozano: «La Música de Interstellar: Un Mito de Ruido y Silencio»
• Beatburguer: ««Interstellar”: claves para entender la mejor banda sonora del siglo XXI»
• Interestellar -final explicado