Aud HAENDEL: Lascia ch’io pianga,

aria del acto II de la ópera Rinaldo (1711)

Georg Friedrich Händel fue uno de los compositores más importantes del Barroco. Esta famosa aria de su ópera Rinaldo es un ejemplo perfecto del estilo vocal barroco: intensa, expresiva y adornada. Aunque fue compuesta para un castrato, hoy en día se interpreta con diferentes tipos de voces, especialmente soprano o contratenor.

Esta aria se ha convertido en una de las más conocidas de Händel y ha sido utilizada en cine, televisión y otros contextos por su belleza melódica y su fuerte carga emocional.

fragmento que de la película Farinelli, en el que aparece al aria Lascia chio pianga de Haendel

Análisis de las características musicales

1- Timbres: Voz solista aguda acompañada por orquesta barroca (cuerdas, clave y bajo continuo). Sonido cálido, con timbres suaves y ornamentaciones vocales que embellecen la línea melódica.

2- Forma: Forma ternaria típica del aria da capo (ABA’). Se repite la primera sección con variaciones ornamentales, mostrando el virtuosismo de la voz.

3- Tempo: Lento (largo) y expresivo.

4- Melodía: Melodía amplia (es decir, larga), que asciende lentamente por grados conjuntos y desciende con saltos, reflejando así la tristeza del personaje. /

Ritmo marcado por un patrón ternario (corta-larga), propio de una danza sarabanda, que refuerza el carácter lento y solemne del aria.

5- Textura: Monodía acompañada: una voz solista lleva la melodía, mientras la orquesta barroca (cuerdas, clave y bajo continuo) proporciona un acompañamiento armónico que no compite con la línea vocal, sino que la sostiene y enmarca.

6- Dinámica / Intensidad : No hay contrastes dinámicos bruscos. La intensidad se mantiene contenida y estable, pero la expresividad se logra a través del fraseo, la articulación y el uso del rubato por parte de la intérprete.

7- Contexto:

• Händel fue un compositor barroco nacido en Alemania, pero desarrolló su carrera en Inglaterra. Rinaldo fue su primera ópera compuesta para el público inglés y fue un gran éxito.
• título de la pieza: “Lascia ch’io pianga mia cruda sorte”, se suele traducir como: “Déjame llorar mi cruel destino” significa que Almirena (la protagonista) suplica que le permitan expresar su pena, su derecho a lamentarse y a mostrar su sufrimiento por estar prisionera. La música refuerza ese sentimiento de dolor contenido.
• Esta obra es un ejemplo típico de aria da capo, la forma musical más destacada de las óperas barrocas, en la que el protagonista se detiene y expresa un sentimiento profundo, de manera ornamental y pausada, deteniendo el desarrollo dramático para dar espacio a la emoción.

• En las óperas barrocas, especialmente en Italia, los papeles femeninos y masculinos de voz aguda eran cantados por castrati, ya que las mujeres no podían actuar en escena. Estos cantantes, castrados antes de la pubertad para conservar su voz aguda, tenían una gran potencia vocal y un control técnico extraordinario. Eran considerados auténticos ídolos del momento, y las arias da capo eran el momento perfecto para lucirse: en la repetición de la sección A, el cantante no repetía la melodía literalmente, sino que añadía adornos, florituras y variaciones virtuosas que impresionaban al público.

  • Händel fue un maestro tanto de la ópera como del oratorio (una forma musical parecida a la ópera, pero sin «puesta en escena», centrada en historias religiosas extraídas de la Biblia)

8- Conexiones:

similitudes:

• • Como en la Marcha para la ceremonia de los turcos de Lully, aquí también encontramos el uso de bajo continuo y una orquesta de cuerdas de tamaño reducido, características propias del Barroco.

  • Como en la Marcha para la ceremonia de los turcos de Lully, ambas forman parte de espectáculos escénicos barrocos: la de Lully es instrumental y sirve como intermedio para una coreografía dentro de una comedia teatral; la de Händel, en cambio, es un aria donde la orquesta acompaña a la voz solista del personaje protagonista en una ópera.

diferencias:

• • A diferencia de la marcha de Lully, que tiene un tempo marcado y ceremonial, esta pieza es lenta, introspectiva y emocional.

  • Frente a la intensidad de la polifonía rítmica de Stravinsky (La consagración de la primavera), aquí domina la línea melódica pura de expresión individual.